Los bellos arpegios que abren en mi mención honorífica, The Wizard, se complementan magistralmente con su sencilla pero efectiva letra, la cual te permite dar rienda suelta a la imaginación para visualizar la escena que describe, un encuentro con un peculiar personaje de ojos de fuego y capa dorada, quien fuera el hechicero de mil reyes. 

Lo recién descrito resulta fascinante para mi gusto y las demás canciones no carecen de mérito; en este disco no hay cabida para las decepciones, sobre todo para quienes gustan de los sonidos de antaño que inspiraron a otras agrupaciones. Hay piezas que incluso siendo de melodías más tranquilas se convierten en hipnóticos pasajes, siendo Rainbow Demon un perfecto ejemplo de ello.

Su última pieza se titula The Spell, algo que me resulta curioso ya que esta simple palabra engloba todo lo que significa escuchar el álbum; a lo largo de sus ocho canciones se puede ir experimentando esa sensación de ser presa de un conjuro que no te permite dejar de escuchar ni un solo segundo. Demons and Wizards marca un antes y un después en la carrera de Uriah Heep.

Previendo que sus seguidores estarían a la expectativa de esta nueva alineación, desde los primeros segundos brindan tranquilidad con King of Kings, un comienzo que nos entrega de lleno a la voz de Jarno Vitri, quien de forma inmediata disipa cualquier duda que pudiéramos tener sobre su elección, y nos hará seguir su registro de manera puntual. Tras la entrada triunfal de Jarno, el resto de los miembros se presenta de manera simultánea con una potente melodía que augura un disco para recordar.

Uno de los elementos característicos en los últimos trabajos de la banda ha sido su inclinación por lo electrónico, quienes han disfrutado de este detalle quizás extrañen esa tendencia; aún se percibe en canciones como Immortal Souls o Summer Rose pero, sin que deje de ser una notable participación, en esta ocasión Akseli Kaasalainen ha optado por un sonido que dota los temas de un aura más mística. Las guitarras, a cargo de Zsolt Szilágyi y de Rami, son potentes cuando así lo desean, virtuosas cuando es necesario, con feeling cuando la pieza lo demanda. Bajo y batería tampoco decepcionan, el primero en manos de Mikko Hepo-Oja se deja escuchar con claridad al llegar Last Goodbyes, mientras que en el segundo Janne Juutinen puede pasar del galope a lo sutil con gran habilidad.

Las voces vienen siendo uno de los puntos que más me preocupaba, temía que el haber conocido a esta banda con Epsilon me impidiera aceptar un nuevo intérprete, sin embargo, mi sorpresa fue grande cuando su dueto me trasladó a la época del Ocean's Heart. En la voz femenina tenemos a la otrora vocalista de Battle Beast Nitte Valo, quien comparte una faceta suya más propicia para el tono de esta entrega, incluso cuando su aguerrido timbre ha sido su distintivo. Por su parte Jarno Vitri me resulta una revelación, se integra perfectamente a la agrupación y funciona tanto como voz principal como soporte, da la impresión que desde un inicio las canciones en que luce su técnica fueron pensadas para él.

En algunas piezas Valo es quien lleva el rol protagónico y en otras tantas será Vitri quien asuma esta labor, aunque los mejores momentos llegan cuando tenemos oportunidad de escucharlos en conjunto, esta mezcla de estilos tan peculiares puede volverse adictiva, en parte por eso es que la mención honorífica la dejo para No Shadow Goes Too Far.  Eternal Flame es un gran regreso luego de los ajustes en su alineación; en esta nueva etapa Rami demuestra que el nombre elegido para su disco no es coincidencia, la llama de la pasión por su música continúa viva dentro de él y aún tendremos Dreamtale para rato, uno con su esencia intacta.

La primera vez que Thick as a Brick me cautivó fue al escucharla en un álbum recopilatorio, algo que durante mucho tiempo me llevó a creer que se trataba de una breve pero hermosa canción, ya que en esta edición se presentaba como un tema de tan solo tres minutos; no fue sino hasta que tuve la oportunidad de ver a esta agrupación en vivo que descubrí que estaba enamorado de un fragmento de algo increíble. Cuando en aquél lejano 2012 el maestro Anderson se presentó en el Bleú Club, quedé fascinado al escuchar esta misma pieza de una manera más compleja, misma que se prolongó durante diez asombrosos minutos, aunque más adelante descubriría que incluso en ese concierto escuché una versión diluida ya que en realidad dura cuarenta minutos. 

Hasta la fecha, cada que quiero escuchar esta espléndida obra, antes me aseguro de saber que cuento con el tiempo suficiente para disfrutarla íntegramente; no podría ser de otra manera cuando tienes un trabajo en el que todos sus miembros explotan su potencial, tanto como para que Barriemore Barlow ofrezca uno de los mejores solos de batería que he escuchado. Por otra parte Jeffrey Hammond hace resonar el bajo de manera espectacular y persistente, la guitarra de Martin Barre es una muestra de talento comparable solo con los teclados de John Evan, en más de una ocasión estarás tratando de elegir cuál de los dos suena mejor.

Ian Anderson bien podría considerarse como la personificación del flautista de Hamelin, sus hipnóticos arreglos en este instrumento ameritan un distintivo como este; su voz se manifiesta expresiva como es su costumbre, y qué decir de sus intervenciones acústicas, son magníficas. Estamos ante el pináculo de una banda cuyo sonido no solo es inconfundible, también está lleno de notas ejecutadas con precisión quirúrgica para brindar al oyente una experiencia alucinante.

Cuarenta minutos parecen mucho, pero minuto a minuto oculta sorpresas para mantenerte cautivo, es una verdadera montaña rusa llena de inesperados giros y momentos increíbles; no importa el camino por el que te guíe la melodía, siempre regresarás a su memorable leitmotiv. Palabras faltan para describir lo que es dejarse llevar por esta canción que al día de hoy no deja de sorprenderme. Thick as a Brick es una obra maestra, genialidad pura combinada con una intrincada composición. Hoy no hay mención honorífica, tratándose de una sola pieza segmentada en dos partes no me atrevería a decir que una es mejor que la otra.

De inicio algo que hay que reconocer es la química que tienen los integrantes, comentario que traigo a colación debido a que se percibe en su propia música; el tiempo que llevan como banda así como su camaradería lo transmiten en un regocijo musical, difícil de describir pero fácil de entender al escuchar la interacción entre los instrumentos. La exposición que tiene cada integrante nos permite disfrutar de sus distintos aportes sin que uno u otro acapare los reflectores.

Giulio Capone demuestra su experiencia en las percusiones, resuena formidable a lo largo del disco, teniendo uno de sus mejores momentos en The Thief and the Moon, aunque A Ritual of Fire no se queda atrás; el tono de la batería está en su punto y no te perderás ni un solo remate. Albero Melinato y Marco Falanga forman una tremenda mancuerna en las guitarras, ellos detonan esos momentos explosivos que abundan en Animus y van acordes al espíritu del álbum.

Alessandro Jacobi no perderá ni una sola oportunidad para explotar el potencial que tiene el bajo, su desempeño constante y consistente se torna difícil de ignorar pero será en Tonight donde resuene con mayor ímpetu. De entre tantas cosas destacables que se pueden encontrar en este disco, el brío con el que Jacobi arranca las notas a su instrumento es de los principales atractivos.

La voz de Chiara Tricarico denota una rigurosa práctica y compromiso, algo que se puede apreciar cuando The Nothing se encuentra en su clímax pero aún así, continúa encontrando maneras de sorprenderme. En esta ocasión ha explorado otros estilos, al menos así lo hace saber cuando sus guturales se apoderan de Animus; cierto es que apenas resuenan durante un par de versos o que aún hay trabajo por hacer, aunque para mí no hay duda de que perfeccionará su técnica y más adelante hará incursiones más arriesgadas en este estilo.

Además de ser presentado apropiadamente con la obra de Beatrice Demori en portada, Animus es el nombre perfecto para el álbum, esta palabra proveniente del latín adquiere diversas connotaciones tales como consciencia, vitalidad, alma, mente, espíritu; todo esto de una u otra manera se refleja en su música, incluso sus letras tocan esta temática desde diversas perspectivas. Kintsugi, que pasa a ser la mención honorífica, aborda los fracasos recordándonos que nadie es perfecto, que las derrotas forman parte importante de nosotros, nos forjan, y que en esos momentos es cuando más valientes hemos sido.

El estilo sinfónico que dicho sea de paso, está muy bien implementado, hace que esta banda se distinga de otras que abordan temáticas similares. Desde The Northwest Passage se puede vislumbrar buena parte del panorama que surcaremos a través de sus catorce piezas; un poderoso arranque donde la batería de Jorge Homobono da indicios de lo que será una brillante participación, quien no se queda atrás es Adrian Carrero, él se sitúa en la guitarra, prometiéndonos un viaje igual de espectacular y siendo sincero no decepciona en absoluto.

Las orquestaciones son una maravilla, encuentran su complemento perfecto en la voz de Eleanor Tenebre cada que decide mostrarnos sus aptitudes para la ópera, la presencia de ambas termina siendo tan natural que resulta difícil imaginarnos una sin otra. Lejos de aburrirnos con una voz educada, deja espacio suficiente para voces más dulces que en absoluto se perciben rebuscadas, igual de bienvenidas y acertadas. Lo vocal resulta todo un espectáculo al no limitarse a la figura femenina, dando coprotagonismo a una contraparte masculina que se vuelve igual de imprescindible.

“Viento firme de batalla siempre al frente cuando estalla, luz eterna de victoria guíanos hacia la gloria”. Estos versos finales en Vento Aureo resaltan la gallarda interpretación de Eduardo Guilló, aunque no conforme con esto saca provecho de sus guturales en los momentos precisos, dándonos intervenciones variadas que realzan las piezas con timbre férreo. No hay que perder de vista la fina hechura en la lírica, de aquí se desprenden versos cuya cadencia acentúa las virtudes de sus intérpretes.

Aún contaremos con una carga de buen Metal, basta con mencionar que Fabio Lione hace una entrada triunfal cuando estalla Lies & Ashes, pero considerando el género que abordan y resignifican, no podíamos quedarnos sin una buena dosis de Folk; lo que podría ser considerada la segunda parte del álbum adquiere estos matices con una transición bien trabajada en Manti, interludio que precede a The Red Charade. El cambio en la travesía no significa que sea menos amena, incluso las piezas más contemplativas tienen mucho que ofrecer; los teclados de Paolo Andreotti se roban los reflectores, eso sin mencionar los hermosos arpegios, los bellos juegos de voces o los sutiles vestigios de anhelo que irradian.

Tales of the Seven Seas resulta más que una grata sorpresa, es una de esas experiencias difíciles de replicar, una que busca diversas maneras de endulzar el oído sin limitarse a su temática. Canciones como Dunkirk Privateers o la mencionada Vento Aureo fácilmente pudieron llevarse la mención de esta ocasión; sin embargo va para An Ocean Between Us - Part III - A New World, al ser una continuación de algo que comenzó en Tales of Bards & Beasts, es un excelente pretexto para regresar a ese primer álbum y disfrutar aún más de Crusade of Bards.

Con este son ya veintidós álbumes los que figuran en la discografía de su banda, cada entrega poseé un sonido muy característico, ofrece algo distinto, resulta en una experiencia única, irrepetible y este disco no es la excepción. Mrs. Tibbets es la pieza elegida para adentrarnos a este nuevo ecosistema, sus sintetizadores inmediatamente reflejan un sonido retro como solo las agrupaciones veteranas saben hacer.

La voz del maestro Anderson continúa siendo un deleite, su desempeño vocal ha sido constante y los años no han hecho más que ayudarlo a definir un estilo inconfundible; se mantiene en los tonos suaves que han marcado gran parte de su carrera, aunque eso no le impide romper la monotonía cuando llega Mine is the Mountain, donde cambia la fórmula a la que podríamos estar acostumbrados. Algo que no desmerece atención es su magnífica ejecución en la armónica, llegando Jacob’s Tale es lo primero que sale a relucir y demuestra que no solo sabe tocar una amplia variedad de instrumentos, sino que además los domina.

Su manera de tocar la flauta es legendaria, desde sus comienzos logró que este instrumento sonara tan natural en el Rock como la propia guitarra. por lo que resulta obvio que sería uno de los elementos protagónicos. El verdadero reto en este apartado era crear algo tan increíble como en trabajos anteriores, así como  encontrar un balance para evitar que se torne repetitivo; sin duda fue más allá porque definitivamente dejó segmentos memorables en este apartado, basta con escuchar el inicio de Barren Beth, Wild Desert John para notarlo, tanto así como para darle la mención honorífica, ya que además me parece la que mejor captura la esencia de la banda que conocemos.

Para una entrega tan completa como esta hacía falta músicos increíbles. John O’Hara no conforme con regalarnos unos fascinantes teclados, hace gala de su talento en el acordeón cuando llega el momento de escuchar Sad City Sisters. Por su parte David Goodler nos obsequia un bajo bastante marcado que inmediatamente nos recuerda las glorias de antaño. La guitarra de Florian Ophale resulta espléndida, se adapta a la perfección al estilo de la banda y nos demuestra que no había mejor elección para ocupar el puesto de Martin Barre. Qué decir de la batería de Scott Hammond, sus percusiones resultan soberbias, lo que sea que las canciones demanden, él lo tiene.

Con esta obra queda más que claro que Ian Anderson aún tiene el toque, sigue siendo perfectamente capaz de crear verdaderas obras de arte y, esta en particular, hace justicia a su prolífica trayectoria. En lo personal, The Zealot Gene me parece completamente digno de llevar el nombre de Jethro Tull en la portada; si esta fuera su última entrega yo me sentiría satisfecho, si por el contrario significa el regreso de la banda, qué mejor, aún tienen mucho qué ofrecer.

Como era de esperarse de un disco de este estilo, hay cabida para piezas con inclinación hacia las baladas, una de ellas se presenta bajo el nombre The Sorrow Path, pero incluso estas resultan enérgicas a medida que se van desarrollando. Parte de esa fuerza se debe a la interpretación de sus enigmáticos integrantes, quienes ocultan su identidad bajo unas inquietantes máscaras diseñadas por Feredico Mondelli, siendo este último también responsable de la portada y composición.

Antares se posiciona en el bajo, de inicio da la sensación de que no tiene mucha participación pero si prestamos atención, en canciones como In this Tragedy nos demuestra lo contrario, su pulsar resulta en un constante coqueteo con las melodías, logrando su mejor momento en Darkest Days. Deimos suena implacable en la batería mientras que Hedon ofrece una fiera guitarra, cuando estos dos se juntan se desatan momentos de furia y pasión que arrasan con todo.

Con la llegada de la propia Daughters of the Night se confirma lo que resultaba evidente desde la portada, que el plato fuerte viene con las voces de Grace y Rehn; ambas presentan registros diferentes que son muy bien aprovechados en los momentos adecuados, llevándote al siguiente nivel cuando la música esté en su clímax y ellas canten al unísono, es ahí donde logran una sinergia espectacular y la fusión de estilos se torna irresistible.

Dentro de la combinación de sus elementos no hay uno que predomine, lo sinfónico adorna sutilmente, lo gótico se refleja no solo en lo visual sino también en la melancolía de sus letras, en las cuales se abraza la oscuridad y se acepta el destino pero, será gracias a su contundente Power Metal que al mismo tiempo nos transmita un renacer, proyectando una voluntad férrea que se sobrepone ante la tragedia.

La mención honorífica la dejaré para The Trickster, me parece que es un tema que no solo funge como cierre, también permite ver el enorme potencial que tienen y es una manera de decirnos que aún hay mucho que pueden ofrecernos. Luego de escuchar su debut puedo decir que Nocturna inicia con el pie derecho lo que espero sea una fructífera carrera.

En mi caso, quedé fascinado tan solo con escuchar A New Tale Is to Begin, un nombre apropiado para su tema introductorio porque estás a punto de comenzar un viaje encantador, uno que seguramente querrás volver a realizar cuando One Last Page marque el final de tan épica travesía. Las mencionadas piezas son instrumentales pero no son las únicas, habrá otras que fungen como interludios que no solo dan balance, también se entrelazan sutilmente con la canción que les prosigue.

A lo largo de Ínia podremos disfrutar de las poderosas guitarras de Isaac Solanas y Marc Olesti, quienes están en su punto, no saturan las melodías con su ataque y aún así nos presentan piezas potentes. Umbra Hatzler entra al juego con briosos guturales, los cuales sorprenden no por su sólida interpretación, sino por enardecer el espíritu de quien lo escucha cuando se alza con ímpetu entre tanta pompa. Habrá tiempo para voces limpias y coros grandiosos pero este apartado no desmerece atención.

Digno de mención es también el bajo de Gerard de Diego, sin mayor dificultad se impone en temas The Lair of the Mad Magician o Warrior Woman, quizás pases más tiempo apreciando otros detalles pero es imposible ignorarlo cuando llega su momento. Este combo de talentosos músicos no estaría completo sin Arnau Salto, será él quien haga sonar la batería con gran maestría tanto en los momentos de mayor intensidad, como en los segmentos más sutiles.

Todo el disco cuenta con arreglos orquestales que son la joya de la corona, son gloriosos, inspiradores, poéticos, dignos de musicalizar una verdadera aventura. Cuenta la leyenda que la versión Deluxe incluye un segundo disco enteramente instrumental, donde se puede apreciar a lujo de detalle el excelso trabajo realizado. Descubrir esta maravilla no me habría sido posible sin la bella portada que realizaron en conjunto Alessandro Paviolo y Angelica Donarini, si se dan una vuelta por sus respectivas cuentas de Instagram (mismas que encontrarán más abajo), podrán encontrar trabajos que merecen ser contemplados por todo amante de la fantasía.

Frozen Shield ha debutado con una obra tan gloriosa como espectacular que no he podido dejar de escuchar. Formidable, majestuoso, épico, bello, monumental; son solo algunas de las tantas palabras con las que fácilmente puedo describir este disco. Mi mención honorífica va para Canvas of Snow, como con las demás canciones, vale la pena escucharla con su respectiva introducción que, en este caso, lleva por título Jaw of the Titans Mounts.

A Dream of Wilderness contiene piezas naturalmente instrumentales y bien distribuidas, en esta categoría tenemos Land of Hope a manera de opening, Vague à l'âme como intermedio, y Old French Song para cerrar. El resto de las canciones cuenta con los impresionantes guturales de Marion Bascoul, misma que en contadas ocasiones proveerá también vocales finas, convirtiendo dichos momentos en un bálsamo debido a su escasez, pero eso sí, ambos estilos igual de acertados y memorables.

Lucie Woaye nos presenta un bajo de innegable presencia, aún sin ser protagonista no dudará en robar tu atención en cada oportunidad. La batería es cortesía de Mickaël Bonnevialle, cuya percusión resulta ideal, siempre sabe cuándo se requiere un frenesí o cuando es más propicio algo sutil.

En definitiva el plato fuerte lo encontramos en guitarras y orquestaciones. No debemos ignorar que Marion lleva la rítmica pero es la interacción de Martin Hamiche con los arreglos sinfónicos lo que se convierte en un verdadero deleite. Dichos arreglos no giran en torno a la brutalidad o viceversa, tampoco se opacan entre sí; más bien se complementan, conviven espléndidamente en una muestra de buen gusto, elegancia y bestialidad. Es de admirar cómo integran todo y lo sirven en temas bien desarrollados que asombran de manera constante, siendo Le Radeau de La Méduse, además de mi mención honorífica, un claro ejemplo de ello, ya sea que se escuche en inglés o su versión en francés.

Si lo tuyo no son los guturales, se aseguraron de que cada una de las piezas en que Marion presta su fiera voz, cuenten con versiones instrumentales en un segundo disco, convirtiendo A Dream of Wilderness en una experiencia redonda que no da lugar a pretextos para negarse el gusto de escucharlo. Estando tan cerca de finalizar el año, puedo decir con toda seguridad que esta joya francesa se encuentra entre lo mejor que nos trajo 2021.

Beast in Black es una banda que ha venido consolidando su carrera con cada lanzamiento; ya sea que te guste o no su peculiar manera de mezclar sintetizadores con un excelente Metal, lo cierto es que sus trabajos tienen una excelente producción, un sonido fácil de digerir y sus integrantes derrochan talento en cada oportunidad.

Aunque anteriormente nos deleitaron con entregas que contenían múltiples referencias a la obra del mangaka Kentarō Miura, para esta ocasión decidieron voltear hacia otras fuentes de inspiración. En Dark Connection nos encontraremos con algo más futurista que, combinado con su amor por lo retro, inmediatamente nos hace encontrar guiños a obras de culto de Sci Fi los 80’s como son Total Recall, Blade Runner, Ghost in the Shell o Armitage III, por mencionar algunas.

Algo que me gustó es que respecto de esos mismos sintetizadores, siento que encontraron un muy buen balance, la única pieza en la que son el centro de atención es One Night in Tokyo que, por cierto, se disfruta por su ritmo pegadizo. En los demás temas también están presentes pero no son empleados de manera persistente y permiten que disfrutes los demás elementos como la poderosa batería de Atte Palokangas o el bajo de Máté Molnár, quien destaca en To the Last Drop of Blood.

Kasperi Heikkinen y Anton Kabanen hacen mancuerna perfecta en las guitarras ya que no solo imprimen potencia, las canciones ya tienen toda la atención del público gracias a sus bien logradas melodías pero, cuando llega el solo de guitarra, te llevan al siguiente nivel aún cuando pensabas que ya estaban en el límite. Quienes están familiarizados con la banda ya conocen la monstruosidad que es Yannis Papadopoulos, a quien considero uno de los mejores vocalistas de la actualidad gracias a su amplísimo rango y potencia, por lo que de él podemos esperar una interpretación espectacular que nunca se ve opacada por los demás instrumentos.

El único punto débil que tiene este disco es su último track, mismo que se trata de un cover de Michael Jackson y, por lo tanto, puede considerarse como un bonus; la canción no es mala por sí misma, de hecho está bien lograda y transmite la misma emoción, el problema es que contrasta notablemente con el estilo que vinieron manejando a lo largo de doce magníficos temas.

Beast in Black nos ofrece una pesada obra distópica de la que ya sabes qué puedes esperar, aunque no por ello dejan de sorprender con cada lanzamiento, este en particular no he dejado de escucharlo debido a temas tan memorables como Moonlight Rendezvous, Revengeance Machine o mi mención honorífica, Highway to Mars.

The Darkest Planet abre de manera soberbia con un tema grandilocuente dotado de increíbles arreglos corales, Overture XXI, misma que además de ser el primer contacto con el oyente también deja de manifiesto que estás por escuchar una producción magnífica y ambiciosa en cada uno de sus apartados; una premisa un tanto arriesgada pero que se mantiene a medida que vamos deleitándonos con sus piezas.

A lo largo de este trabajo nos encontraremos con diversos elementos que hacen de Fugatta algo más que una banda de Power; pasaremos por momentos sinfónicos, neoclásicos e incluso hay temas como Sons of Syria, donde la genialidad puede llegar a desembocar en segmentos Folk que se introducen de manera natural, pero además, es en esta misma canción donde nos encontramos con la magnífica ejecución de Ignacio Salmerón en la batería.

Homero Lezama constantemente llama la atención con sus teclados pero es también responsable de las orquestaciones, gracias a esto y a manera de intermedio es que llega Gates of Atlantis, una joya instrumental en la que se desborda el talento y bien podría ser el punto más alto del disco. Por su parte, la voz de Daniel Viña no decepciona, brindándonos una interpretación a la altura de esta producción de alto calibre, particularmente disfruté su trabajo en Beyond the Light, donde su tono le da el toque preciso para que quieras repetir.

Luego de todo lo mencionado, justo es decir que Eusebio Medrano y su guitarra no se quedan atrás, en especial cuando hablamos de Slaves of Heaven, donde con un buen ataque y su alucinante solo, destaca como uno de los mejores elementos de ese track. Para brindarnos una experiencia redonda se aseguraron de no descuidar su lírica, con ella abordan temas de actualidad como la contaminación, la dependencia de la tecnología, entre otros, y nos entregan todo bajo una cubierta digna de contemplación, misma que hace referencia a la canción homónima del disco.

Se podría decir que The Darkest Planet contiene diez pistas, ya que en la onceava  escucharemos The Dark Land We Belong en su versión en español, misma en la que además tienen como invitado a Alberto Rionda de Avalanch. En la doceava y última encuentro mi mención honorífica, Metal Invaders, esta pieza ya había sonado en la octava posición, es vibrante por sí misma y el pulsante bajo de Hugo Medina suena espectacular, pero precisamente aquí, todo esto se ve multiplicado por la sublime participación de Ivan Giannini.

El viaje a la nostalgia comienza con Intro: Unveiling Secrets, una bienvenida que resulta discreta pero que no deja de ser digna de adaptarse a material de Sci-Fi, aquí ponen a nuestra disposición hermosos teclados finamente combinados con sintetizadores, cuenta con una breve narración por parte de Tomi y se conecta con Holding On, un tema variopinto que va de lo monumental a lo veloz, pasa por momentos que denotan anhelo y esperanza, eriza la piel y te deja listo para encarar el vertiginoso desarrollo del quinto álbum de la banda.

Toda la experiencia y genialidad que han adquirido es volcada en este trabajo, por lo que en manos de Fabrizio “Fabbro” Taricco y Andy “K” Cappellari podemos esperar aceleradas guitarras con fraseos increíbles, esto sin contar a sus invitados de lujo, Simone Bertozzi y Simone Mularoni (Ancient Bards y DGM, respectivamente). Giacomo “Jack” Stiaccini lleva el pulsante bajo mientras que Enrico “HenrySydoz” Sidoti se muestra imparable en la batería; un impresionante despliegue en todos y cada uno de los apartados musicales que se conjugan para llegar al virtuosismo, mientras en mayor o menor medida preservan el toque retro.

Como no podía ser de otra manera, Mr. Tommi Fooler luce una voz espectacular en cada oportunidad, obviando sus notas altas, disfruté particularmente la manera en que lleva sus líneas en 2204 (misma que elijo para la mención honorífica), cuando su interpretación se une al frenesí de la música. Con todo lo mencionado no podíamos exigir más y aún así, qué bellos arreglos nos regala Alessio Lucatti (Vision Divine), quien toma su lugar en los teclados para adornar las canciones con sus magníficos aportes, convirtiéndose en un elemento indispensable.

El disco de por sí ya es bueno pero además de escuchar excelentes canciones puedes ir buscando las referencias. Por mencionar solo algunas, Enchant Me contiene las líneas “earth angel, earth angel” que inmediatamente nos remite al baile Enchantment Under the Sea, mientras que el cover incluido por la banda es el mismo que toca McFly en dicha escena, Pleasure Palace (Oh Là Là) toma su nombre tanto del casino de Biff como de la revista que aparece en la película cuando deben recuperar el Almanaque.

The 1.21 Gigawatts Club es un homenaje digno que reboza de tanta calidad como las películas en que se inspira, una vez terminado sentirás esa necesidad de ver de nuevo Volver al Futuro pero también querrás volver a escucharlo. Si aún no conoces a esta banda italiana, este es un buen pretexto para acercarse a su autodenominado Nerd Metal.

“Future as you know could be unwritten“

Parte del concepto se da en el apartado visual, el cual puede incluir indumentaria temática, maquillaje, máscaras, aunque en ocasiones bastará con una buena portada para que se antoje escuchar algo. Tomar todo esto y fundirlo perfectamente con la música, e incluso la lírica, suele brindar resultados que generen más de un adepto, puede incluso derivar en la creación de un culto; justo como lo ha logrado Apostolica, una agrupación de corte internacional que se presenta con una imagen tan inquietante como enigmática. 

Aunque se desconoce la identidad de los profetas enmascarados, la consistencia de su sonido los pone en evidencia como talentosos músicos con un claro propósito, engrosar las filas de su iglesia hereje con aquellos que se dejen seducir por su oscura obra. Para lograr su cometido se presentan ante nosotros con solemnes atavíos que infunden respeto, una sombría imagen acompañada de himnos memorables. Los herejes del Metal nos entregan su debut, Haeretica Ecclesia, a manera de primera comunión.

La misa negra da inicio con imponentes coros que rezan: “Sanctus spiritus, Dominus angelus, Filium hominis, Paenitentiam”. Acto seguido, Malachia desata su furia profanando la batería con cada golpe; a su vez, Isaia toma posesión de la guitarra de manera incisiva mientras que Jonas da cuerpo a la composición con su prominente bajo, un comienzo sencillamente espectacular. Escasos segundos bastan para mantener cautivos incluso a los más escépticos.

Uno pensaría que solo haría falta un barítono que haga juego con la temática, pero en realidad será Ezekiel y su voz lo que no sabíamos que necesitábamos hasta que lo escuchamos; él será el encargado de enaltecer las desgracias con sus cantos proféticos y, contrario a lo que esperaríamos, lo hará con un timbre poluto e imposible de ignorar, mismo que termina siendo un gusto adquirido. De manera persistente nuestros oídos serán llenados con gloriosas piezas que se ven envueltas en grandilocuencia, coros increíbles y brillantes arreglos que realzan espléndidamente.

En poco menos de cincuenta minutos disfrutaremos de un álbum que no brinda descanso, aunque cada uno de sus temas es vibrante y potente, cuenta con  los espacios suficientes que te permiten digerir lo que vas escuchando. Va directo al punto y sin pretensiones pero contiene la sustancia suficiente para quedarse en tu mente una vez que finaliza. Seguramente le darás más de una vuelta al disco gracias a los ganchos que fueron dejando a lo largo de sus diez canciones.

En pocas palabras, ha llegado el Juicio Final y Apostolica se encargó de la banda sonora. Entre mis opciones para la mención honorífica estaban Thanatos que resuena imponente, Famine que posee una estructura sobresaliente pero ambas son parcas en sus letras, por lo que al final me quedo con The Sword of Sorrow, su combinación de arreglos, ritmo y lírica hacen que destaque.

 

 

 

A manera de intro suena la solemne Wanderer’s Prayer, misma que nos hace entrar en un estado de desasosiego para tomarnos de la mano y guiarnos hasta la oscuridad de su personaje. Tras el parsimonioso cántico entrará la pieza homónima, donde uno a uno se irán sumando las talentosas figuras que conforman la agrupación para desatar el caos; aquí sonará un enérgico despliegue de virtuosa furia que pone al descubierto el potencial de sus integrantes. A lo largo de dieciséis magníficas piezas escucharemos a estos excelentes músicos alcanzando nuevas fronteras, llegando al límite de sus capacidades pero sin perder el don que tiene el artista de transmitir emociones.

Peter Albert de Reyna es un portento en el bajo que no deja de sorprenderme, una actitud y una ejecución que se impone, no podía ser de otra manera con una bestia dotada de seis cuerdas. Jack Kosto ha venido dando cátedra en la guitarra desde el primer disco, qué manera de sacar jugo a su fiel compañera, provista de siete cuerdas para los extremos segmentos en que se inclinan por el Black, sin dejar de lado los aspectos más melódicos. Chris Dovas muestra una increíble preparación al abordar perfectamente todos los estilos que manejan, desde los imparables galopes hasta los momentos que requieren de un mayor tacto, este completo baterista puede tocar lo que se proponga con gran maestría. 

Adrienne Cowan me parece una de las mejores vocalistas que hay actualmente, la he escuchado con Light & Shade, Sascha Paeth’s Masters of Ceremony y en el Heart Healer de Magnus Karlsson; pero definitivamente es aquí donde pone a prueba toda su capacidad y demuestra el dominio que tiene sobre su instrumento. Desde sus demoníacos guturales que incluyen Pig Squeals, hasta las voces más suaves y melancólicas, su versatilidad vocal le permite evocar diversas emociones; maneja un amplio rango que le valió el calificativo de ecléctico cuando recomendé Emerald Seas; por si fuera poco, las orquestaciones también corren por su cuenta y son igual de espléndidas.

Navegantes como su personaje, los integrantes de Seven Spires surcan el inmenso mar que es el Metal, incorporando lo mejor de sus diversos subgéneros, y más, para contar historias de demonios, muerte, amor, así como las peculiaridades de la condición humana. Tienen guturales, voces limpias, baladas, temas oscuros, agresivos, elementos teatrales, atmosféricos, progresivos, orquestaciones, coros, etc. Se trata de una agrupación multifacética y camaleónica de la que puedes esperar cualquier cosa; prueba de ello es que puedes pasar de un tema orientado al pop  con la pegajosa Lightbringer a una pieza feroz y extrema, una curiosa combinación que funciona gracias a que nunca se han encasillado. Si algo sirve a su propósito lo adoptan, le imprimen calidad y lo funden en su sonido. 

Por todo lo dicho y más, con Gods of Debauchery se consolidan entre los exponentes del Metal contemporáneo, una maravilla de nuestros tiempos. Resulta difícil tomar una decisión respecto de la mención honorífica pero iré con Ghost of Yesterday; me gusta su balance, no llega a los cuatro minutos y aún así logra mucho en tan poco tiempo, aprovechando al máximo cada segundo. Está dotada del aura que caracteriza a la banda, brinda un amplio panorama de la gran capacidad compositiva que tienen y lo que se puede esperar.

El proyecto es demasiado interesante porque además de pasar un excelente rato puedes ir encontrando detalles o referencias, por ejemplo, en la vestimenta de la banda para el video de Mechanical Sense, podemos notar La casa dalle finestre che ridono, Jaws, Beetlejuice, Dexter e incluso Fleshgod Apocalypse y Mortal Kombat; el video mismo es una bizarra combinación entre Saw y Jumanji, dejando de manifiesto en cada uno de estos detalles que, si te animas a escuchar su álbum, estás por descender a una oscura y retorcida parte de la mente.

Tanto Manuel Nucci como Federico Conti transmiten su energía a través de las fieras guitarras que nos presentan, al mismo tiempo que frasean con ingenio para mantener siempre atento al oyente. Por su parte, el bajo de Francesco Vicini no tiene problemas para destacar en cada oportunidad que se le presente y Marco Biondi en la batería presenta una ejecución más que adecuada para cada pieza, no se vuelve cansina y sabe cómo preparar el camino para cuando tenga que desbocarse.

No estoy seguro del género al que pertenecen, cuando me llegó, supe que se trata de Alternative/Death Metal, mientras que en algún otro lugar se le tiene como Heavy Metal. Cabe mencionar que el proyecto que antecede a Karpenter estaba orientado hacia el Metalcore y desde entonces Filippo Tellerini ha provisto las vocales, comento esto para dar una idea del tipo de voz que aporta; sin llegar a ser gutural bien se puede considerar como extremo, quizás más de uno se desanime al saber esto pero, sinceramente, le da mucho carácter a las canciones y la fusión de los mencionados estilos suena demasiado bien, cumple su objetivo y se siente como una elección acertada.

A mi juicio, lo mejor está en los teclados de Michele Mingozzi, las veces en que claramente sale al frente y podemos apreciar su trabajo con lujo de detalles, nos brinda una reminiscencia del sonido que caracterizó muchas películas de terror de época y lo incorpora exitosamente a la fórmula de la banda, logrando como resultado piezas agresivas con un peculiar sonido retro y macabro; se trata de composiciones feroces que al mismo tiempo nos suenan inquietantemente familiares, como si de una pesadilla recurrente se tratara.

Buscan proyectar energía y lo han logrado, sin embargo ese no fue pretexto para soltar una serie de notas encaminadas solo con este propósito, se logra percibir cómo cada segmento está bien planeado para brindar una experiencia distinta en cada título, aquí no hay lugar para la monotonía. Dicho esto, creo que precisamente las películas del género en que se inspiran sirven para la siguiente analogía: ya sabes a lo que vas, lo que esperas, pero cada una tiene algo que la define, así es como se siente escuchar Sleepless, el primer larga duración de Karpenter. La mención honorífica se queda en Perfection Valley, misma que nos lleva hasta Tremors, me gustó la canción, de niño vi en repetidas ocasiones la película en que se inspira y hace un par de semanas la volví a disfrutar.